Geschiedenis Podcasts

Hollywood-legende Charlie Chaplin geboren

Hollywood-legende Charlie Chaplin geboren


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Op 16 april 1889 wordt de toekomstige Hollywood-legende Charlie Chaplin geboren als Charles Spencer Chaplin in Londen, Engeland.

Chaplin, een van de financieel meest succesvolle sterren van het vroege Hollywood, werd op vijfjarige leeftijd op het podium geïntroduceerd. De jonge Chaplin, de zoon van de Londense music hall-entertainers, keek naar een show met zijn moeder in de hoofdrol toen haar stem brak. Hij werd snel het podium op geschud om de act af te maken.

Chaplins vader stierf toen Chaplin een peuter was, en toen zijn moeder een zenuwinzinking kreeg, zwierven Chaplin en zijn oudere halfbroer, Sydney, door Londen, waar ze op straat dansten en centen verzamelden in een hoed. Ze gingen uiteindelijk naar een weeshuis en voegden zich bij de Eight Lancashire Lads, een dansgroep voor kinderen. Toen Chaplin 17 was, ontwikkelde hij zijn komische vaardigheden met de hulp van het gezelschap van Fred Karno, waarvoor zijn halfbroer al een populaire komiek was geworden. Al snel werden Chaplins bolhoed, naar buiten gedraaide voeten, snor en wandelstok zijn handelsmerk. Hij trad toe tot het bedrijf Keystone en filmde De kost verdienen, waarin hij een besnorde schurk speelde die een monocle droeg. Het duurde niet lang voordat hij ook aan de andere kant van de camera werkte, waar hij hielp bij het regisseren van zijn 12e film en het regisseren van zijn 13e, Gevangen in de regen, alleen.

Chaplin verfijnde wat spoedig zijn nalatenschap zou worden, het personage Charlie the Vagebond, en tekende in 1915 bij het bedrijf Essanay voor $ 1.250 per week, plus een bonus van $ 10.000 - een flinke sprong van de $ 175 die Keystone hem betaalde. Het jaar daarop tekende hij bij Mutual voor $ 10.000 per week, plus een bonus van $ 150.000 onder een contract dat hem verplichtte om jaarlijks 12 films te maken, maar hem volledige creatieve controle over de foto's gaf. En in 1918 tekende hij een contract met First National voor $ 1 miljoen voor acht films. Als meesterlijke stomme filmacteur en pantomimist die zowel gelach als tranen van zijn publiek kon opwekken, verzette Chaplin zich tegen de komst van geluid in films. Inderdaad, in zijn eerste film met geluid (Stadslichten in 1931), gebruikte hij alleen muziek. Zijn eerste echte geluidsfilm was in de jaren 40 De grote dictator, waarin hij het fascisme bespotte.

Chaplin richtte in 1919 United Artists Corporation op met Mary Pickford, Douglas Fairbanks en directeur D.W. Griffith. Chaplin trouwde nog twee keer, beide keren met tienermeisjes. Zijn vierde vrouw, Oona O'Neill, die 18 was toen ze met de 54-jarige acteur trouwde, was de dochter van toneelschrijver Eugene O'Neill. Hoewel hij 42 jaar in de Verenigde Staten had gewoond, werd Chaplin nooit Amerikaans staatsburger. Chaplin, een vocale pacifist, werd beschuldigd van communistische banden, wat hij ontkende. Niettemin verhinderden immigratieambtenaren in 1952 dat Chaplin en zijn vrouw de Verenigde Staten opnieuw binnenkwamen na een buitenlandse tournee. Het paar keerde 20 jaar niet terug naar de Verenigde Staten; in plaats daarvan vestigden ze zich in Zwitserland met hun acht kinderen. Chaplin keerde in 1972 terug naar Amerika om een ​​speciale Academy Award in ontvangst te nemen voor 'het onberekenbare effect dat hij heeft gehad op het maken van films tot de kunst van en van deze eeuw'. Hij werd in 1975 geridderd tot Sir Charles Spencer Chaplin. Twee jaar later stierf hij.


Dit zijn de oudste Hollywood-sterren die vandaag leven

Nu we in de jaren 2020 zijn, is het een triest feit dat veel van de sterren uit de Gouden Eeuw van Hollywood niet langer bij ons zijn. Als we op een zondagmiddag gaan zitten om te genieten van een klassiek stukje bioscoop, hebben we de neiging om aan te nemen dat de meeste acteurs die we zien al op het grote feest in de lucht zijn, maar dat is niet altijd het geval. Terwijl de geschiedenis van Hollywood bezaaid is met tragische verhalen over acteurs die ons te vroeg verlieten, is er een steeds kleiner wordende groep veteranen die leefden toen de 'talkies' nog nieuw waren in theaters. Sommige van deze sterren genieten rustig van hun pensioen na een druk leven in Tinseltown, hoewel een verrassend groot aantal van hen vandaag de dag nog steeds actief is in de industrie.

Van voormalige schermsirenes die er nog steeds glamoureus uitzien tot ver in de jaren 90, tot de acteur met een honderdjarige carrière, we hebben een overzicht samengesteld van de oudste nog levende Hollywood-sterren.


Hollywood-geschiedenis

Wanneer u in onze comfortabele, versleten leren cabines zit, ons 100 jaar oude klassieke menu doorbladert of naar de mahoniehouten bar schuift, geniet u niet alleen van lekker eten en goed gezelschap. Je maakt deel uit van de geschiedenis van Hollywood.

Het is een geschiedenis die leest als een Hollywood-script. Er werden deals gesloten over de oude telefooncel - de eerste telefooncel die in Hollywood werd geïnstalleerd. Scripts werden besproken over een beroemde martini van Musso. Contracten werden ondertekend tijdens voortreffelijke maaltijden van geroosterde eend en lamskoteletten. Sterren werden geboren.

Vanaf het begin is Musso's een favoriet geweest op de A-lijst van Hollywood. Charlie Chaplin was een vroege vaste klant. Vaak gezien lunchend met Mary Pickford, Rudolph Valentino en Douglas Fairbanks, zou Chaplin - volgens de legende - Douglas uitdagen voor een paardenrace langs Hollywood Boulevard, en de winnaar moest de rekening ophalen bij Musso's. Charlie zou winnen en zich verheugen over een bord Roast Lamb Kidneys, zijn favoriete Musso-maaltijd.

In de jaren '20 en '30 was het niet ongewoon om Greta Garbo en Gary Cooper samen te zien ontbijten - flanelcakes en verse koffie natuurlijk. Of om Humphrey Bogart tegen het lijf te lopen aan de bar met Dashielle Hammett of Lauren Bacall.

In de jaren '50 waren Hollywood-legendes als Marilyn Monroe (geflankeerd door Joe DiMaggio), Elizabeth Taylor en Steve McQueen te vinden met drankjes en hapjes in de beroemde Back Room van Musso. Jimmy Stewart, Rita Hayworth, Groucho Marx en John Barrymore hadden ook hoofdrollen bij Musso's.

Tegenwoordig blijft Musso's een verfijnde Hollywood-ontmoetingsplaats. Maar verwacht niet in de rij te staan ​​voor handtekeningen. De eigenaren en beschermheren van Musso's behandelen hen nog steeds op dezelfde manier als de vroege eigenaar John Mosso deed - met respect en discretie.


1. Mary Pickford (1892-1979)

Hoewel deze echte pionier van een Hollywood-actrice de eretitel 'America's Sweetheart' kreeg, schrijft Mary Pickford veel van haar waarden en karakterinspiraties toe aan haar Ierse roots. Gedurende haar hele carrière herinnerde ze zich verhalen en herinneringen uit de straatarme opvoeding van haar moeder in het graafschap Kerry, Ierland om connecties op te bouwen met haar rollen, meestal die van jonge, eerlijke, straatarme vrouwelijke Ierse immigranten of Iers-Amerikanen (titels omvatten "The Foundling" (1915), "Little Annie Rooney" (1925) en "Amarilly of Clothes-line Alley" (1918)).

Met een sluwe, zelfverzekerde vrouwelijke aanwezigheid vermengd met een onschuldig 'buurmeisje'-kwaliteit, baande Pickford zich een weg door de door mannen gedomineerde Hollywood-industrie en werd op 27-jarige leeftijd de best betaalde vrouw ter wereld - voordat vrouwen zelfs maar werden toegestaan stemmen.

Het is bekend dat haar subtiliteiten in lichaamstaal en gezichtsgebaren invloed hebben gehad op Charlie Chaplin, met wie ze een hechte relatie had, aangezien ze allebei werden vereerd in het tijdperk van de stomme film.

In een interview uit 1965 voor de Amerikaanse televisie merkte Pickford op dat zij en andere Ierse acteurs uit het vroege Hollywood-tijdperk bij elkaar bleven en een sterke band onderhielden. Pickford werd soms vertederend "het meisje met krullen" genoemd vanwege haar karakteristieke lokken van rood haar. Ze werd bewonderd om haar schoonheid, maar nog belangrijker om haar originaliteit, passie en intelligentie bij het claimen van Hollywood van haar.

2. Chauncey Olcott (1858-1932)

Hoewel oorspronkelijk uit New York, maakte performer Chancellor Olcott, meer informeel bekend als Chauncey, een succesvolle en gevierde carrière geïnspireerd door zijn Ierse afkomst.

Olcott debuteerde in 1880 als een balladzangeres in minstreelshows en verwierf later bekendheid op Broadway, nadat hij de rol had gespeeld van de hoofdrolspeler van de veelgeprezen actrice Lillian Russell in "Pepita or, The Girl with the Glass Eyes" (1886). Hoewel aan Russell wordt toegeschreven dat hij de carrière van Olcott is begonnen, vond hij een sterkere passie in romantische musicals.

Met name speelde hij in "A Romance of Athlone" (1899) en "The Isle O'Dreams" (1912), waarvoor hij respectievelijk de nummers "My Wild Irish Rose" en "When Irish Eyes are Smiling" schreef en componeerde. .

Zijn ongelukkige dood in 1932 zorgde voor postume erkenningen: Warner Bros. bracht een film uit met de titel "My Wild Irish Rose (1947)" over zijn leven (met in de hoofdrol Dennis Morgan), en Olcott werd later opgenomen in de Songwriters Hall of Fame in 1970.

Met een krachtige maar lieve, delicate stem zong en danste Olcott zich een weg naar het sterrendom met zijn Ierse roots als brandstof, en hij bleef hoge eerbied behouden na zijn dood.

3. Charlie Chaplin (1889-1997)

Om eerlijk te zijn, filmicoon en meester van de stomme film Charlie Chaplin is niet van Ierse afkomst. Interessant genoeg begon hij echter in 1959 met zijn gezin op jaarlijkse vakanties naar het dorp Waterville in County Kerry, Ierland, en werd al snel hun meest geliefde bezoeker.

De Engelse acteur/figuur is misschien wel het meest bekend om zijn schermpersonage "The Tramp" in al zijn slapstick-glorie.

Tussen het regisseren, acteren in, schrijven, produceren, monteren en componeren van de partituur voor vele beroemde werken die niets met Ierland te maken hebben, slaagde Chaplin er altijd in om elk jaar tijd te vinden om het prachtige Waterville te bezoeken. Zijn vierde vrouw, Oona O'Neill, dochter van de met een Pulitzerprijs bekroonde Iers-Amerikaanse toneelschrijver Eugene O'Neill, is van nauwe Ierse afkomst, dus hoewel Chaplin misschien niet Iers is, hebben zijn kinderen met Oona wortels in het Emerald Isle.

Geraakt door zijn toewijding om daar op vakantie te gaan, richtten de inwoners van Waterville een bronzen standbeeld van Chaplin op, met een plaquette die hem bedankte voor zijn rituele bezoeken. Er staat, in het Iers en in het Engels: "Voor de man die de films deed spreken in de harten van miljoenen [,] bracht Charlie vele jaren door in ons midden als een bescheiden gast en vriend voor velen." In het beeld draagt ​​hij een komisch slecht dichtgeknoopt pak, en staat met een eigenzinnige hand op zijn heup en typische expressieve glimlach.

4. Helen Kane (1904-1966)

Helen Kane, onze geliefde originele "Boop Boop a Doop Girl", waarschijnlijk de inspiratie voor de iconische cartoon Betty Boop, kwam ook uit een Iers huis. Kane's moeder, een Ierse immigrante, hielp haar dochter een klein sterrendom te verwerven door met tegenzin haar eerste kostuum te kopen voor de rol van de koningin in een schoolproductie - met weinig geld leek een jurk van drie dollar een beproeving.

Maar misschien kunnen we deze jurk en dit spel bedanken als de reden waarom Kane verliefd werd op theater - ze maakte al snel een overstap naar vaudeville en kickdansen, waardoor ze zich een weg baande in de wereld van Hollywood en Broadway in films en toneelstukken zoals 'Stars of the Future” (1922-24) met haar jonge babytalkstem als haar handelsmerk.

Ze maakte behoorlijk naam in de muziek - van al haar soundtracks, solo-optredens en liedjes met haar trio 'The Three X Sisters', wordt Kane vooral erkend voor haar nummer 'I Wanna be Loved By You', dat later werd uitgevoerd door Marilyn Monroe in "Some Like it Hot."

Met haar kenmerkende doe-ogen en pruilende lippen werd Kane een scatterende, zingende, fladderende, acterende, dansende, babypratende extraordinaire met liefdevolle gratie en glamour. Wie had gedacht dat de inspiratie van Betty Boop uit een Iers huishouden kwam?

5. Sara Allgood (1879-1950)

Sara Allgood, ook bekend als Sally Allgood, geboren in het hart van Dublin, begon met acteren in het beroemde Abbey Theatre in Dublin. Allgood had een warme, geruststellende en misschien wel moederlijke uitstraling vanwege deze kenmerken, in films werd ze vaak getypeerd als Ierse moeders, hospita, buurtroddels en dergelijke.

Ze wordt het best herinnerd voor haar rol in de film "How Green Was My Valley" als mevrouw Morgan, de moeder van een familie van mijnwerkers uit Wales, waarvoor ze een Academy Award-nominatie ontving.

Allgood heeft een verbluffende filmografie achter de hand en speelde in ongeveer vijftig opmerkelijke films, waaronder "Cheaper by the Dozen" (1950), "Jane Eyre" (1943), "Dr. Jekyll and Mr. Hyde” (1941), “My Wild Irish Rose” (1947) over Chauncey Olcott.

Ze speelde ook in een flink aantal vroege Hitchcock-films zoals “Sabotage” (1936), “Blackmail” (1929) en “Juno and the Paycock” (1930), waarin haar zus, actrice Maire O'Neill, speelde als goed.

Ze was nauw betrokken bij de opening van de Irish National Theatre Society en was een goede vriend van de veelgeprezen Ierse dichter William Butler Yeats. Yeats' muze, de Ierse revolutionair en feministe Maud Gonne, was een zeer invloedrijke leraar voor Allgood en haar zus Maire.

6. Helen Hayes (1900-1993)

Helen Hayes, een van de slechts twaalf mensen die een EGOT (Emmy, Grammy, Oscar en Tony) wonnen, had Ierse katholieke grootouders van moederskant die tijdens de Grote Hongersnood uit Ierland emigreerden.

Nadat ze de Academy Award won voor beste actrice in "The Sin of Madelon Claudet" (1931), werd ze enorm beroemd met films zoals Hemingway-bewerking "A Farewell to Arms" (1932), "What Every Woman Knows" (1934) , "The White Sister" (1933) tegenover Clark Gable, en nog veel, veel meer.

Hayes' hart lag echter sterker bij Broadway en gaf de voorkeur aan het podium boven het grote scherm. Lucille Ball schreef haar ooit een fanbrief en met wederzijdse bewondering stelde Hayes voor om op een dag samen te werken, wat ze deden in 1971. Hayes verscheen in een aflevering van "Here's Lucy" getiteld "Lucy and the Little Old Woman" als een berooide Ierse vrouw op zoek naar werk.

Hayes was trots op haar Ierse roots, ze was een geweldige Ierse danseres, en in een tijdschriftinterview noemde ze zichzelf speels "a little Irish biddy", nadat ze haar kleine gestalte had genoemd.

Als een alom bewonderde, bekroonde actrice en een gerenommeerd filantroop, stierf Hayes helaas op Saint Patrick's Day van 1993.

7. Maureen O'Sullivan (1911-1988)

Je herkent haar misschien als de nieuwsgierige Amerikaanse Jane uit Tarzan, maar Maureen O'Sullivan is zo Iers als maar kan. O'Sullivan, geboren in Boyle, County Roscommon, Ierland, ging als meisje naar de kloosterschool in Dublin.

O'Sullivan, moeder van actrice Mia Farrow, vond succes in de film "A Connecticut Yankee" uit 1931 en na twaalf jaar acteren nam ze een pauze om zeven kinderen groot te brengen, maar in 1948 flitste ze opnieuw haar charmante glimlach naar de wereld. film "The Big Clock", die werd geregisseerd door haar toenmalige echtgenoot John Farrow.

Hoewel O'Sullivan een vroege start maakte in Hollywood en voor altijd de titel van klassieke actrice en schoonheid zal behouden, bleef ze de hele jaren tachtig sterk in Hollywood, in herkenbare films zoals "Peggy Sue Got Married" naast Nicolas Cage en in Woody Allen's veelgeprezen film "Hannah and her Sisters", die beide in 1986 werden uitgebracht.

8. Geraldine Fitzgerald (1913-2005)

Een andere charmante en getalenteerde Ierse Hollywood-ster is Geraldine Fitzgerald, geboren in Greystones, County Wicklow, Ierland. Voordat ze haar ware talent voor acteren ontdekte, studeerde ze schilderkunst aan de Dublin School of Art.

Ze speelde in talloze films, maar haar meest opvallende prestaties waren een Academy Award-nominatie voor beste vrouwelijke bijrol voor haar rol als Isabella Linton in "Wuthering Heights" (1939) en haar hoofdrol in de Amerikaanse kaskraker "Dark Victory" ( 1939).

Sinds “Dark Victory” maakte ze naam in de Amerikaanse film en televisie, met acteren in een deel van de horrorfilmserie “Poltergeist” in 1986 en enkele komedies zoals “Arthur” (1981). Ze debuteerde ook in een van Amerika's favoriete sitcoms, The Golden Girls.

De Ierse actrice had een energieke run op Broadway en ze ontving ook een Tony Award-nominatie voor haar regie van een toneelstuk getiteld "Mass Appeal" over een rooms-katholieke predikant en een jonge diaken.

9. Rex Ingram (1892-1950)

Rex Ingram, geboren in Dublin in 1882, werd een van de meest getalenteerde en geprezen regisseurs in de geschiedenis van Hollywood en kreeg de titel van 'de stille meester' vanwege zijn vermogen om talloze kaskrakers te creëren in het tijdperk van de stomme film.

Hoewel veel regisseurs van stille films, zoals Hitchcock, sprekende beelden gingen regisseren, bleef Ingram trouw aan zijn passie en verdween uiteindelijk in de stille vergetelheid - geen moment stopte hij echter met het beïnvloeden van de regisseurs van vandaag.

Hij wordt door vrijwel iedereen in Hollywood gerespecteerd. Regisseur Erich von Stroheim noemde hem ooit 's werelds grootste regisseur. Zijn blockbuster-hit "The Four Horsemen of the Apocalypse" uit 1921 inspireerde Martin Scorsese enorm, die de film herhaaldelijk voor zichzelf afspeelde terwijl hij zijn eigen film "Hugo" (2011), een eerbetoon aan de stomme film, opnieuw uitvond.

Ingram was ook een bekende acteur in meer dan twintig films zoals "Love in Morocco" (1933) waarin hij de onstuimige André Duval speelde, of de korte film "Camille" (1926) waarin hij de Ierse politieke leider Charles Stewart Parnell speelde.

10. James Cagney (1899-1986)

Een andere zeer beroemde ster van Ierse afkomst is James Cagney, acteur en danser.

Hoewel hij inderdaad een zeer indrukwekkende danser was, komt het grootste deel van zijn bekendheid uit zijn films, waarin hij vaak werd getypeerd als de agressieve of gewelddadige 'stoere kerel' die altijd een beetje veelzijdiger bleek te zijn dan wat op het eerste gezicht leek. .

Sommige van deze rollen waren in films zoals "Taxi!" of cult-gangsterfilm 'Public Enemy' of 'Angels with Dirty Faces' samen met andere Iers-Amerikaanse acteur Pat O'Brien. Cagney en O'Brien speelden samen in de film "The Irish in Us" uit 1935 als de gebroeders O'Hara uit New York City.

Cagney, een trefzekere Hollywood-legende, speelde in een ongelooflijk aantal succesvolle films, waarvan er vele toebehoorden aan Warner Bros. In 1974 ontving Cagney de Life Achievement Award van het American Film Institute, en wordt gerespecteerd en herinnerd om zijn welsprekendheid, zijn kenmerkende stem en zijn vermogen om scherpe lijnen of uitgestreken komedie te trekken in serieuze films.

11. Pat O'Brien (1899-1983)

Onze laatste oude Hollywood-acteur van Ierse afkomst toonde luid en trots zijn Ierse roots met elk bot in zijn lichaam. Pat O'Brien werd door de pers vaak "Hollywood's Irishman in Residence" genoemd, omdat de meeste van zijn rollen die van Ierse of Iers-Amerikaanse mannen waren.

Hij droeg de Ierse badge met eer in Hollywood, en werd vaak geassocieerd met de eerder genoemde acteur James Cagney, omdat ze een dynamisch duo waren (“Angels with Dirty Faces” (1938), “The Irish in Us” (1935), en nog veel meer ). Hij was het meest bekend in de jaren '30 en '40 vanwege zijn rollen als boegbeelden zoals militaire leiders, politie en priesters, die aandacht en respect eisten, zowel in als buiten karakter. Alle vier de grootouders van O'Brien komen uit County Cork, Ierland. O'Brien, Cagney en andere Iers-Amerikaanse acteurs zoals Frank McHugh en Spencer Tracy ontmoetten elkaar vaak en spraken regelmatig met elkaar, en noemden zichzelf "de Boys Club" - maar Hollywood-columnist Sidney Skolsky noemde hen gekscherend "de Ierse Maffia."


Herinnering aan Charlie Chaplin: de beste citaten van de striplegende

Charlie Chaplin, een Engelse acteur, het komische genie staat wereldwijd bekend als de beste stille filmartiest. Chaplin, geboren op 16 april 1889, wijdde zijn hele leven aan films en mensen aan het lachen maken. Hij wordt beschouwd als een van de belangrijkste figuren in de geschiedenis van de cinema.

Begonnen vanaf de leeftijd van 10, werkte Chaplin tot het einde en gaf ons enkele van de beste werken die we vandaag zien. 'The Great Dictator' wordt nog steeds beschouwd als een van de beste films aller tijden. City Lights, The Kid, A Woman of Paris, The Gold Rush en Moderne tijden zijn slechts enkele namen uit de lijst met edelstenen die deze ster ons heeft nagelaten.

Een acteur, regisseur, scenarioschrijver, striplegende, componist en de grootste artiest aller tijden. Laten we, terwijl we de joviale Charlie Chaplin op zijn verjaardag herinneren, eens kijken naar enkele van de beste citaten van de legende.

Citaten van Charlie Chaplin:

"Een dag niet gelachen is een dag niet geleefd."

"Niets is blijvend in deze slechte wereld - zelfs onze problemen niet."

"Het meest trieste dat ik me kan voorstellen, is wennen aan luxe."

"We denken te veel en voelen te weinig."

"Ik loop altijd graag in de regen, dus niemand kan me zien huilen."

"Het leven is een tragedie als je het van dichtbij bekijkt, maar een komedie op afstand."

"Het leven kan prachtig zijn als je er niet bang voor bent. Het enige dat nodig is, is moed, verbeeldingskracht en een beetje deeg."

"Je zult nooit een regenboog vinden als je naar beneden kijkt."

"Perfecte liefde is de mooiste van alle frustraties omdat het meer is dan je kunt uitdrukken."

"Verbeelding betekent niets zonder te doen."

Waar wil je een betekenis voor? Het leven is een verlangen, geen zin."

"Lachen is de tonic, de opluchting, de pijnstilling."

"Ik ben een wereldburger."

"Ik hoop dat we de oorlog zullen afschaffen en alle geschillen aan de vergadertafel zullen beslechten."


Chaplin speelde een aantal onsympathieke personages in zijn vroege films. Maar het duurde niet lang voordat hij de rol op zich nam die zijn carrière zou bepalen - die van de underdog, die de overhand had in het licht van de ontberingen van het leven. In latere meesterwerken zoals "Modern Times" (1936) gebruikte Chaplin ook film om de samenleving te bekritiseren. Hier was hij letterlijk de man die verstrikt raakte in de wielen van de industrialisatie.


Dan: The Janes House

Het Janes House is een overblijfsel uit 1903 van de Victoriaanse huizen die in de jaren 1880 aan Hollywood Boulevard werden gebouwd. De zusjes Jane openden in 1911 een school in het huis en gaven les aan kinderen van beroemdheden als Cecile B. DeMille en Charlie Chaplin. Destijds was The Janes House omgeven door sinaasappelboomgaarden in het noorden en zuiden. "Ze zouden de bosjes omhakken om te bouwen", zegt Wanamaker.

7 / 47


Charles Chaplin

Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin, KBE was een Engelse stripacteur en filmregisseur uit het tijdperk van de stomme film. Voor het einde van de Eerste Wereldoorlog werd hij een van de bekendste filmsterren ter wereld. Chaplin gebruikte mime-, slapstick- en andere visuele komedieroutines en ging door tot ver in het tijdperk van de talkies, hoewel zijn films vanaf het einde van de jaren twintig in frequentie afnamen. Zijn beroemdste rol was die van The Tramp, die hij voor het eerst speelde in de Keystone-komedie Kid Auto Races in Venetië in 1914. Van de eenspoeler van april 1914 Twintig minuten liefde daarna schreef en regisseerde hij de meeste van zijn films, in 1916 produceerde hij ook, en vanaf 1918 componeerde hij de muziek. Samen met Mary Pickford, Douglas Fairbanks en D.W. Griffith richtte hij in 1919 United Artists op.

Chaplin was een van de meest creatieve en invloedrijke persoonlijkheden van het tijdperk van de stomme film. Hij werd beïnvloed door zijn voorganger, de Franse stomme filmkomiek Max Linder, aan wie hij een van zijn films opdroeg. Zijn werkzame leven in de amusementswereld besloeg meer dan 75 jaar, van het Victoriaanse podium en de Music Hall in het Verenigd Koninkrijk als kindartiest tot bijna zijn dood op 88-jarige leeftijd. Zijn spraakmakende openbare en privéleven omvatte zowel bewondering als controverse. Chaplins identificatie met links dwong hem uiteindelijk om zich tijdens het McCarthy-tijdperk begin jaren vijftig in Europa te vestigen.

In 1999 rangschikte het American Film Institute Chaplin als de 10e grootste mannelijke filmlegende aller tijden. In 2008 schreef Martin Sieff in een recensie van het boek: "Chaplin was niet alleen "big", hij was gigantisch. In 1915 stormde hij een door oorlog verscheurde wereld binnen en bracht het de gave van komedie, gelach en opluchting terwijl het zichzelf verscheurde tijdens de Eerste Wereldoorlog. In de volgende 25 jaar, door de Grote Depressie en de opkomst van Adolf Hitler, bleef op de baan.


Inhoud

Mary Pickford werd geboren als Gladys Marie Smith in 1892 (hoewel ze later 1893 of 1894 als haar geboortejaar claimde) op 211 University Avenue, [a] Toronto, Ontario. [1] Haar vader, John Charles Smith, was de zoon van Engelse Methodisten-immigranten en had verschillende baantjes. Haar moeder, Charlotte Hennessey, was van Ierse katholieke afkomst en werkte een tijd als naaister. Ze had twee jongere broers en zussen, Charlotte, genaamd "Lottie" (geboren 1893), en John Charles, genaamd "Jack" (geboren 1896), die ook acteurs werd. Om de familieleden van haar man een plezier te doen, doopte Pickfords moeder haar kinderen als Methodisten, de religie van hun vader. John Charles Smith was een alcoholist, hij verliet het gezin en stierf op 11 februari 1898 aan een dodelijke bloedstolsel veroorzaakt door een arbeidsongeval toen hij een purser was bij Niagara Steamship. [1]

Toen Gladys vier jaar oud was, stond haar huishouden onder besmettelijke quarantaine als maatregel voor de volksgezondheid. Hun vroom katholieke grootmoeder van moederskant (Catherine Faeley Hennessey) vroeg een bezoekende rooms-katholieke priester om de kinderen te dopen. Pickford werd op dat moment gedoopt als Gladys Marie Smith. [9] [10]

Nadat ze in 1899 weduwe was geworden, begon Charlotte Smith kostgangers aan te nemen, onder wie de heer Murphy, de theaterregisseur van Cummings Stock Company, die al snel voorstelde dat Gladys, toen zeven jaar oud, en Lottie, toen zes jaar oud, twee kleine theatrale rollen - Gladys portretteerde een meisje en een jongen, terwijl Lottie in een stille rol in de productie van het bedrijf werd gegoten De Zilveren Koning in Toronto's Princess Theatre (door brand verwoest in 1915, herbouwd, gesloopt in 1931), terwijl hun moeder het orgel bespeelde. [11] [1] Pickford speelde vervolgens in veel melodrama's met Toronto's Valentine Stock Company, en speelde uiteindelijk de hoofdrol in zijn versie van De Zilveren Koning. Ze sloot haar korte carrière in Toronto af met de hoofdrol van Little Eva in de Valentijnsproductie van De hut van oom Tom, aangepast van de roman uit 1852. [1]

Vroege jaren Bewerken

Tegen het begin van de twintigste eeuw was theater een familiebedrijf geworden. Gladys, haar moeder en twee jongere broers en zussen toerden per trein door de Verenigde Staten en traden op in derderangs gezelschappen en toneelstukken. Na zes verarmde jaren stond Pickford nog een zomer toe om een ​​hoofdrol op Broadway te spelen, en was van plan te stoppen met acteren als ze faalde. In 1906 ondersteunden Gladys, Lottie en Jack Smith zanger Chauncey Olcott op Broadway in Edmund Burke. [12] Gladys kreeg eindelijk een ondersteunende rol in een Broadway-toneelstuk uit 1907, De Warrens van Virginia. Het stuk is geschreven door William C. deMille, wiens broer, Cecil, in de cast verscheen. David Belasco, de producent van het stuk, stond erop dat Gladys Smith de artiestennaam Mary Pickford zou aannemen. [13] Na het voltooien van de Broadway-run en het verkennen van het stuk, was Pickford echter weer werkloos.

Op 19 april 1909 testte de directeur van Biograph Company D.W. Griffith haar op een scherm in de studio van het bedrijf in New York voor een rol in de Nickelodeon-film. Pippa Passen. De rol ging naar iemand anders, maar Griffith werd meteen ingenomen met Pickford. Ze begreep snel dat filmacteren eenvoudiger was dan het gestileerde toneelacteren van de dag. De meeste Biograph-acteurs verdienden $ 5 per dag, maar na Pickford's enige dag in de studio stemde Griffith ermee in haar $ 10 per dag te betalen tegen een garantie van $ 40 per week. [14]

Pickford speelde, net als alle acteurs bij Biograph, zowel bijrollen als hoofdrollen, waaronder moeders, vindingen, werksters, spitfires, slaven, indianen, afgewezen vrouwen en een prostituee. Zoals Pickford zei over haar succes bij Biograph:

Ik speelde scrubvrouwen en secretaresses en vrouwen van alle nationaliteiten. Ik besloot dat als ik zoveel mogelijk foto's kon maken, ik bekend zou worden en dat er vraag zou zijn naar mijn werk.

Ze verscheen in 51 films in 1909 - bijna één per week - met haar eerste hoofdrol in De vioolbouwer van Cremona tegenover toekomstige echtgenoot Owen Moore. [3] Terwijl ze bij Biograph was, stelde ze Florence La Badie voor om "foto's te proberen", nodigde haar uit in de studio en stelde haar later voor aan D.W. Griffith, die La Badie's carrière lanceerde. [15]

In januari 1910 reisde Pickford met een Biograph-ploeg naar Los Angeles. Veel andere filmmaatschappijen overwinterden aan de westkust, om te ontsnappen aan het zwakke licht en de korte dagen die de winteropnames in het oosten belemmerden. Pickford toegevoegd aan haar 1909 biografieën (Zoet en Twintig, Ze zouden weglopen, en Om haar ziel te redden, om er maar een paar te noemen) met films gemaakt in Californië.

Acteurs werden niet vermeld in de aftiteling in het bedrijf van Griffith. Het publiek zag en identificeerde Pickford binnen enkele weken na haar eerste filmoptreden. Exposanten profiteerden op hun beurt van haar populariteit door op sandwichborden te adverteren dat er een film met "The Girl with the Golden Curls", "Blondilocks" of "The Biograph Girl" in zat. [16]

Pickford verliet Biograph in december 1910. Het jaar daarop speelde ze in films bij Carl Laemmle's Independent Moving Pictures Company (IMP). IMP werd in 1912 samen met Majestic opgenomen in Universal Pictures. Ontevreden met hun creatieve normen, keerde Pickford in 1912 terug naar het werk met Griffith. Enkele van haar beste optredens waren in zijn films, zoals Vrienden, The Mender of Nets, Net als een vrouw, en Het vrouwtje van de soort. Dat jaar introduceerde Pickford ook Dorothy en Lillian Gish – met wie ze bevriend was geraakt als nieuwe buren uit Ohio [17] – in Griffith, [1] en elk werden grote stomme filmsterren, respectievelijk in komedie en tragedie. Pickford maakte haar laatste Biograph foto, De New Yorkse hoed, eind 1912.

Ze keerde terug naar Broadway in de David Belasco-productie van Een goede kleine duivel (1912). Dit was een belangrijk keerpunt in haar carrière. Pickford, die altijd had gehoopt het Broadway-podium te veroveren, ontdekte hoe diep ze filmacteren miste. In 1913 besloot ze uitsluitend in film te gaan werken. Het jaar daarvoor had Adolph Zukor Famous Players in Famous Plays gevormd. Het werd later bekend als Famous Players-Lasky en vervolgens Paramount Pictures, een van de eerste Amerikaanse speelfilmbedrijven.

Pickford verliet het podium om zich bij Zukor's sterrenlijst te voegen. Zukor geloofde dat het potentieel van film lag in het opnemen van theaterspelers in replica's van hun beroemdste toneelrollen en producties. Zukor filmde Pickford voor het eerst in een stille versie van Een goede kleine duivel. De film, geproduceerd in 1913, toonde de Broadway-acteurs van het stuk die elke regel van de dialoog reciteerden, wat resulteerde in een stijve film die Pickford later "een van de slechtste [functies] die ik ooit heb gemaakt. het was dodelijk" noemde. [1] Zukor was het ermee eens dat hij de film een ​​jaar lang uit de distributie hield.

Pickford's werk in materiaal dat tegen die tijd voor de camera was geschreven, had een sterke aanhang aangetrokken. Komedie-drama's, zoals: In de koets van de bisschop (1913), Caprice (1913), en vooral Harten op drift (1914), maakte haar onweerstaanbaar voor bioscoopbezoekers. Harten op drift was zo populair dat Pickford om de eerste van haar vele gepubliceerde loonsverhogingen vroeg op basis van de winst en beoordelingen. [18] De film markeerde de eerste keer dat de naam van Pickford boven de titel op filmtenten stond. [18] Tess van het stormland werd vijf weken later vrijgelaten. Biograaf Kevin Brownlow merkte op dat de film "haar carrière in een baan om de aarde bracht en haar de populairste actrice in Amerika, zo niet de wereld" maakte. [18]

Haar beroep werd twee jaar later samengevat in de uitgave van februari 1916 van: Fotospel als "lichtgevende tederheid in een stalen band van goot wreedheid". [1] Alleen Charlie Chaplin, die in 1916 de populariteit van Pickford enigszins overtrof, [19] had een even betoverende aantrekkingskracht bij critici en het publiek. Elk genoot een bekendheidsniveau dat veel hoger lag dan dat van andere acteurs. Throughout the 1910s and 1920s, Pickford was believed to be the most famous woman in the world, or, as a silent-film journalist described her, "the best known woman who has ever lived, the woman who was known to more people and loved by more people than any other woman that has been in all history". [1]

Stardom Edit

Pickford starred in 52 features throughout her career. On June 24, 1916, Pickford signed a new contract with Zukor that granted her full authority over production of the films in which she starred, [20] and a record-breaking salary of $10,000 a week. [21] In addition, Pickford's compensation was half of a film's profits, with a guarantee of $1,040,000 (US$18,720,000 in 2021), [22] making her the first actress to sign a million dollar contract. [3] She also became vice-president of Pickford Film Corporation. [3]

Occasionally, she played a child, in films such as The Poor Little Rich Girl (1917), Rebecca van Sunnybrook Farm (1917), Daddy-Long-Legs (1919) and Pollyanna (1920). Pickford's fans were devoted to these "little girl" roles, but they were not typical of her career. [1] Due to her lack of a normal childhood, she enjoyed making these pictures. Given how small she was at under five feet, and her naturalistic acting abilities, she was very successful in these roles. Douglas Fairbanks Jr., when he first met her in person as a boy, assumed she was a new playmate for him, and asked her to come and play trains with him, which she obligingly did. [23]

In August 1918, Pickford's contract expired and, when refusing Zukor's terms for a renewal, she was offered $250,000 to leave the motion picture business. She declined, and went to First National Pictures, which agreed to her terms. [24] In 1919, Pickford, along with D. W. Griffith, Charlie Chaplin, and Douglas Fairbanks, formed the independent film production company United Artists. Through United Artists, Pickford continued to produce and perform in her own movies she could also distribute them as she chose. In 1920, Pickford's film Pollyanna grossed around $1,100,000. [25] The following year, Pickford's film Little Lord Fauntleroy was also a success, and in 1923, Rosita grossed over $1,000,000 as well. [25] During this period, she also made Little Annie Rooney (1925), another film in which Pickford played a child, Sparrows (1926), which blended the Dickensian with newly minted German expressionist style, and My Best Girl (1927), a romantic comedy featuring her future husband Charles "Buddy" Rogers.

The arrival of sound was her undoing. Pickford underestimated the value of adding sound to movies, claiming that "adding sound to movies would be like putting lipstick on the Venus de Milo". [25]

She played a reckless socialite in Coquette (1929), her first talkie, [26] a role for which her famous ringlets were cut into a 1920s' bob. Pickford had already cut her hair in the wake of her mother's death in 1928. Fans were shocked at the transformation. [27] Pickford's hair had become a symbol of female virtue, and when she cut it, the act made front-page news in The New York Times and other papers. Coquette was a success and won her an Academy Award for Best Actress, [28] although this was highly controversial. [29] The public failed to respond to her in the more sophisticated roles. Like most movie stars of the silent era, Pickford found her career fading as talkies became more popular among audiences. [28]

Her next film, The Taming of The Shrew, made with husband Douglas Fairbanks, was not well received at the box office. [30] Established Hollywood actors were panicked by the impending arrival of the talkies. On March 29, 1928, The Dodge Brothers Hour was broadcast from Pickford's bungalow, featuring Fairbanks, Chaplin, Norma Talmadge, Gloria Swanson, John Barrymore, D. W. Griffith, and Dolores del Río, among others. They spoke on the radio show to prove that they could meet the challenge of talking movies. [31]

A transition in the roles Pickford selected came when she was in her late 30s, no longer able to play the children, teenage spitfires, and feisty young women so adored by her fans, and was not suited for the glamorous and vampish heroines of early sound. In 1933, she underwent a Technicolor screen test for an animated/live action film version of Alice in Wonderland, but Walt Disney discarded the project when Paramount released its own version of the book. Only one Technicolor still of her screen test still exists.

She retired from film acting in 1933 following three costly failures with her last film appearance being Secrets. [3] [32] She appeared on stage in Chicago in 1934 in the play The Church Mouse and went on tour in 1935, starting in Seattle with the stage version of Coquette. [3] She also appeared in a season of radio plays for NBC in 1935 and CBS in 1936. [3] In 1936 she became vice-president of United Artists [32] and continued to produce films for others, including One Rainy Afternoon (1936), The Gay Desperado (1936), Sleep, My Love (1948 with Claudette Colbert) and Love Happy (1949), with the Marx Brothers. [1]

The film industry Edit

Pickford used her stature in the movie industry to promote a variety of causes. Although her image depicted fragility and innocence, she proved to be a strong businesswoman who took control of her career in a cutthroat industry. [33]

During World War I she promoted the sale of Liberty Bonds, making an intensive series of fund-raising speeches, beginning in Washington, D.C., where she sold bonds alongside Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks, Theda Bara, and Marie Dressler. Five days later she spoke on Wall Street to an estimated 50,000 people. Though Canadian-born, she was a powerful symbol of Americana, kissing the American flag for cameras and auctioning one of her world-famous curls for $15,000. In a single speech in Chicago, she sold an estimated five million dollars' worth of bonds. She was christened the U.S. Navy's official "Little Sister" the Army named two cannons after her and made her an honorary colonel. [1]

In 1916, Pickford and Constance Adams DeMille, wife of director Cecil B. DeMille, helped found the Hollywood Studio Club, a dormitory for young women involved in the motion picture business. [3] At the end of World War I, Pickford conceived of the Motion Picture Relief Fund, an organization to help financially needy actors. Leftover funds from her work selling Liberty Bonds were put toward its creation, and in 1921, the Motion Picture Relief Fund (MPRF) was officially incorporated, with Joseph Schenck voted its first president and Pickford its vice president. In 1932, Pickford spearheaded the "Payroll Pledge Program", a payroll-deduction plan for studio workers who gave one half of one percent of their earnings to the MPRF. As a result, in 1940, the Fund was able to purchase land and build the Motion Picture Country House and Hospital, in Woodland Hills, California. [1]

An astute businesswoman, Pickford became her own producer within three years of her start in features. According to her Foundation, "she oversaw every aspect of the making of her films, from hiring talent and crew to overseeing the script, the shooting, the editing, to the final release and promotion of each project". She demanded (and received) these powers in 1916, when she was under contract to Zukor's Famous Players in Famous Plays (later Paramount). Zukor acquiesced to her refusal to participate in block-booking, the widespread practice of forcing an exhibitor to show a bad film of the studio's choosing to also be able to show a Pickford film. In 1916, Pickford's films were distributed, singly, through a special distribution unit called Artcraft. The Mary Pickford Corporation was briefly Pickford's motion-picture production company. [34]

In 1919, she increased her power by co-founding United Artists (UA) with Charlie Chaplin, D. W. Griffith, and her soon-to-be husband, Douglas Fairbanks. Before UA's creation, Hollywood studios were vertically integrated, not only producing films but forming chains of theaters. Distributors (also part of the studios) arranged for company productions to be shown in the company's movie venues. Filmmakers relied on the studios for bookings in return they put up with what many considered creative interference. [ citaat nodig ]

United Artists broke from this tradition. It was solely a distribution company, offering independent film producers access to its own screens as well as the rental of temporarily unbooked cinemas owned by other companies. Pickford and Fairbanks produced and shot their films after 1920 at the jointly owned Pickford-Fairbanks studio on Santa Monica Boulevard. The producers who signed with UA were true independents, producing, creating and controlling their work to an unprecedented degree. As a co-founder, as well as the producer and star of her own films, Pickford became the most powerful woman who has ever worked in Hollywood. By 1930, Pickford's acting career had largely faded. [28] After retiring three years later, however, she continued to produce films for United Artists. She and Chaplin remained partners in the company for decades. Chaplin left the company in 1955, and Pickford followed suit in 1956, selling her remaining shares for $3 million. [34]

She had bought the rights to many of her early silent films with the intention of burning them on her death, but in 1970 she agreed to donate 50 of her Biograph films to the American Film Institute. [26] In 1976, she received an Academy Honorary Award for her contribution to American film. [26]

Pickford was married three times. She married Owen Moore, an Irish-born silent film actor, on January 7, 1911. It is rumored she became pregnant by Moore in the early 1910s and had a miscarriage or an abortion. Some accounts suggest this resulted in her later inability to have children. [1] The couple's marriage was strained by Moore's alcoholism, insecurity about living in the shadow of Pickford's fame, and bouts of domestic violence. [ citaat nodig ] The couple lived together on-and-off for several years. [35]

Pickford became secretly involved in a relationship with Douglas Fairbanks. They toured the U.S. together in 1918 to promote Liberty Bond sales for the World War I effort. Around this time, Pickford also suffered from the flu during the 1918 flu pandemic. [36] Pickford divorced Moore on March 2, 1920, after she agreed to his $100,000 demand for a settlement. [37] She married Fairbanks just days later on March 28, 1920 in what was described as the "marriage of the century" and they were referred to as the King and Queen of Hollywood. [3] They went to Europe for their honeymoon fans in London and in Paris caused riots trying to get to the famous couple. The couple's triumphant return to Hollywood was witnessed by vast crowds who turned out to hail them at railway stations across the United States.

The Mark of Zorro (1920) and a series of other swashbucklers gave the popular Fairbanks a more romantic, heroic image. Pickford continued to epitomize the virtuous but fiery girl next door. Even at private parties, people instinctively stood up when Pickford entered a room she and her husband were often referred to as "Hollywood royalty". Their international reputations were broad. Foreign heads of state and dignitaries who visited the White House often asked if they could also visit Pickfair, the couple's mansion in Beverly Hills. [13]

Dinners at Pickfair became celebrity events. Charlie Chaplin, Fairbanks' best friend, was often present. Other guests included George Bernard Shaw, Albert Einstein, Elinor Glyn, Helen Keller, H. G. Wells, Lord Mountbatten, Fritz Kreisler, Amelia Earhart, F. Scott Fitzgerald, Noël Coward, Max Reinhardt, Baron Nishi, Vladimir Nemirovich-Danchenko, [38] Sir Arthur Conan Doyle, Austen Chamberlain, Sir Harry Lauder, and Meher Baba, among others. The public nature of Pickford's second marriage strained it to the breaking point. Both she and Fairbanks had little time off from producing and acting in their films. They were also constantly on display as America's unofficial ambassadors to the world, leading parades, cutting ribbons, and making speeches. When their film careers both began to flounder at the end of the silent era, Fairbanks' restless nature prompted him to overseas travel (something which Pickford did not enjoy). When Fairbanks' romance with Sylvia, Lady Ashley became public in the early 1930s, he and Pickford separated. They divorced January 10, 1936. Fairbanks' son by his first wife, Douglas Fairbanks Jr., claimed his father and Pickford long regretted their inability to reconcile. [1]

On June 24, 1937, Pickford married her third and last husband, actor and band leader Charles "Buddy" Rogers. They adopted two children: Roxanne (born 1944, adopted 1944) and Ronald Charles (born 1937, adopted 1943, a.k.a. Ronnie Pickford Rogers). A PBS Amerikaanse ervaring documentary described Pickford's relationship with her children as tense. She criticized their physical imperfections, including Ronnie's small stature and Roxanne's crooked teeth. Both children later said their mother was too self-absorbed to provide real maternal love. In 2003, Ronnie recalled that "Things didn't work out that much, you know. But I'll never forget her. I think that she was a good woman." [39]

Politieke opvattingen

In 1926, while in Italy, she (together with Fairbanks) met fascist dictator Benito Mussolini.

Latere jaren en dood

After retiring from the screen, Pickford became an alcoholic, as her father had been. Her mother Charlotte died of breast cancer in March 1928. Her siblings, Lottie and Jack, both died of alcohol-related causes in 1936 and 1933, respectively. These deaths, her divorce from Fairbanks, and the end of silent films left Pickford deeply depressed. Her relationship with her adopted children, Roxanne and Ronald, was turbulent at best. Pickford withdrew and gradually became a recluse, remaining almost entirely at Pickfair and allowing visits only from Lillian Gish, her stepson Douglas Fairbanks Jr., and few other people.

In 1955, she published her memoirs, Sunshine and Shadows. [26] She had previously published Why Not Try God in 1934, an essay on spirituality and personal growth, My Rendevouz of Life (1935), an essay on death and her belief in an afterlife and also a novel in 1935, The Demi-Widow. [32] [3] She appeared in court in 1959, in a matter pertaining to her co-ownership of North Carolina TV station WSJS-TV. The court date coincided with the date of her 67th birthday under oath, when asked to give her age, Pickford replied: "I'm 21, going on 20." [42]

In the mid-1960s, Pickford often received visitors only by telephone, speaking to them from her bedroom. Charles "Buddy" Rogers often gave guests tours of Pickfair, including views of a genuine western bar Pickford had bought for Douglas Fairbanks, and a portrait of Pickford in the drawing room. A print of this image now hangs in the Library of Congress. [34] When Pickford received an Academy Honorary Award in 1976, the Academy sent a TV crew to her house to record her short statement of thanks – offering the public a very rare glimpse into Pickfair Manor. [43] Charitable events continued to be held at Pickfair, including an annual Christmas party for blind war veterans, mostly from World War I. [3]

Pickford believed that she had ceased to be a British subject when she married an American citizen upon her marriage to Fairbanks in 1920. [44] Thus, she never acquired Canadian citizenship when it was first created in 1947. However, Pickford held and traveled under a British/Canadian passport which she renewed regularly at the British/Canadian consulates in Los Angeles, and she did not take out papers for American citizenship. She also owned a house in Toronto, Ontario, Canada. Toward the end of her life, Pickford made arrangements with the Canadian Department of Citizenship to officially acquire Canadian citizenship because she wished to "die as a Canadian". Canadian authorities were not sure that she had ever lost her Canadian citizenship, given her passport status, but her request was approved and she officially became a Canadian citizen. [45] [46]

On May 29, 1979, Pickford died at a Santa Monica, California, hospital of complications from a cerebral hemorrhage she had suffered the week before. [47] She was interred in the Garden of Memory of the Forest Lawn Memorial Park cemetery in Glendale, California.

  • Pickford was awarded a star in the category of motion pictures on the Hollywood Walk of Fame at 6280 Hollywood Blvd. [48]
  • Her handprints and footprints are displayed at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California.
  • She is represented in Hergé's Tintin in America. [49]
  • The Pickford Center for Motion Picture Study at 1313 Vine Street in Hollywood, constructed by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, opened in 1948 as a radio and television studio facility.
  • The Mary Pickford Theater at the James Madison Memorial Building of the Library of Congress is named in her honor. [34]
  • The Mary Pickford Auditorium at Claremont McKenna College is named in her honor.
  • In 1948, Mary Pickford built a seven-bedroom, eight-bathroom, 6,050 square foot estate on 2.12 acres at the B Bar H Ranch, California where she lived and then later sold. [50]
  • A first-run movie theatre in Cathedral City, California is called The Mary Pickford Theatre, which was established on May 25, 2001. [51] The theater is a grand one with several screens and is built in the shape of a Spanish Cathedral, complete with bell tower and three-story lobby. The lobby contains a historic display with original artifacts belonging to Pickford and Buddy Rogers, her last husband. Among them are a rare and spectacular beaded gown she wore in the film Dorothy Vernon of Haddon Hall (1924) designed by Mitchell Leisen, her special Oscar, and a jewelry box. [citaat nodig]
  • The 1980 stage musical The Biograph Girl, about the silent film era, features the character of Pickford.
  • In 2007, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences sued the estate of the deceased Buddy Rogers' second wife, Beverly Rogers, in order to stop the public sale of one of Pickford's Oscars. [52]
  • A bust and historical plaque marks her birthplace in Toronto, now the site of the Hospital for Sick Children. [53] The plaque was unveiled by her husband Buddy Rogers in 1973. The bust by artist Eino Gira was added ten years later. [54] Her date of birth is stated on the plaque as April 8, 1893. This can only be assumed to be because her date of birth was never registered throughout her life, beginning as a child, she led many people to believe that she was a year younger than her real age, so that she appeared to be more of an acting prodigy and continued to be cast in younger roles, which were more plentiful in the theatre. [55]
  • The family home had been demolished in 1943, and many of the bricks delivered to Pickford in California. Proceeds from the sale of the property were donated by Pickford to build a bungalow in East York, Ontario, which was then a Toronto suburb. The bungalow was the first prize in a lottery in Toronto to benefit war charities, and Pickford unveiled the home on May 26, 1943. [56]
  • In 1993, a Golden Palm Star on the Palm Springs Walk of Stars was dedicated to her. [57]
  • Pickford received a posthumous star on Canada's Walk of Fame in Toronto in 1999.
  • Pickford was featured on a Canadian postage stamp in 2006. [58]
  • From January 2011 until July 2011, the Toronto International Film Festival exhibited a collection of Mary Pickford memorabilia in the Canadian Film Gallery of the TIFF Bell LightBox building. [59]
  • In February 2011, the Spadina Museum, dedicated to the 1920s and 1930s era in Toronto, staged performances of Sweetheart: The Mary Pickford Story, a one-woman musical based on the life and career of Pickford. [60]
  • In 2013, a copy of an early Pickford film that was thought to be lost (Their First Misunderstanding) was found by Peter Massie, a carpenter tearing down an abandoned barn in New Hampshire. It was donated to Keene State College and is currently undergoing restoration by the Library of Congress for exhibition. The film is notable as being the first in which Pickford was credited by name. [61][62]
  • On August 29, 2014, while presenting Behind The Scenes (1914) at Cinecon, film historian Jeffrey Vance announced he is working with the Mary Pickford Foundation on what will be her official biography.
  • The Google Doodle of April 8, 2017 commemorated Mary Pickford's 125th birthday. [63]
  • The Girls in the Picture, a 2018 novel by Melanie Benjamin, is a historical fiction about the friendship of Mary Pickford and screenwriter Frances Marion. [64]
  • On August 20, 2019, the Toronto International Film Festival announced Mati Diop as the recipient of the first Mary Pickford Award.

Pickford's handprints and footprints at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California


Het vroege leven en carrière

Chaplin was named after his father, a British music-hall entertainer. He spent his early childhood with his mother, the singer Hannah Hall, after she and his father separated, and he made his own stage debut at age five, filling in for his mother. The mentally unstable Hall was later confined to an asylum. Charlie and his half brother Sydney were sent to a series of bleak workhouses and residential schools.

Using his mother’s show-business contacts, Charlie became a professional entertainer in 1897 when he joined the Eight Lancashire Lads, a clog-dancing act. His subsequent stage credits include a small role in William Gillette’s Sherlock Holmes (1899) and a stint with the vaudeville act Casey’s Court Circus. In 1908 he joined the Fred Karno pantomime troupe, quickly rising to star status as The Drunk in the ensemble sketch A Night in an English Music Hall.

While touring America with the Karno company in 1913, Chaplin was signed to appear in Mack Sennett’s Keystone comedy films. Though his first Keystone one-reeler, Making a Living (1914), was not the failure that historians have claimed, Chaplin’s initial screen character, a mercenary dandy, did not show him to best advantage. Ordered by Sennett to come up with a more-workable screen image, Chaplin improvised an outfit consisting of a too-small coat, too-large pants, floppy shoes, and a battered derby. As a finishing touch, he pasted on a postage-stamp mustache and adopted a cane as an all-purpose prop. It was in his second Keystone film, Kid Auto Races at Venice (1914), that Chaplin’s immortal screen alter ego, “the Little Tramp,” was born.

In truth, Chaplin did not always portray a tramp in many of his films his character was employed as a waiter, store clerk, stagehand, fireman, and the like. His character might be better described as the quintessential misfit—shunned by polite society, unlucky in love, jack-of-all-trades but master of none. He was also a survivor, forever leaving past sorrows behind, jauntily shuffling off to new adventures. The Tramp’s appeal was universal: audiences loved his cheekiness, his deflation of pomposity, his casual savagery, his unexpected gallantry, and his resilience in the face of adversity. Some historians have traced the Tramp’s origins to Chaplin’s Dickensian childhood, while others have suggested that the character had its roots in the motto of Chaplin’s mentor, Fred Karno: “Keep it wistful, gentlemen, keep it wistful.” Whatever the case, within months after his movie debut, Chaplin was the screen’s biggest star.

His 35 Keystone comedies can be regarded as the Tramp’s gestation period, during which a caricature became a character. The films improved steadily once Chaplin became his own director. In 1915 he left Sennett to accept a $1,250-weekly contract at Essanay Studios. It was there that he began to inject elements of pathos into his comedy, notably in such shorts as The Tramp (1915) and Burlesque on Carmen (1915). He moved on to an even more lucrative job ($670,000 per year) at the Mutual Company Film Corporation. There, during an 18-month period, he made the 12 two-reelers that many regard as his finest films, among them such gems as One A.M. (1916), The Rink (1916), The Vagabond (1916), and Easy Street (1917). It was then, in 1917, that Chaplin found himself attacked for the first (though hardly the last) time by the press. He was criticized for not enlisting to fight in World War I. To aid the war effort, Chaplin raised funds for the troops via bond drives.

In 1918 Chaplin jumped studios again, accepting a $1 million offer from the First National Film Corporation for eight shorts. That same year he married 16-year-old film extra Mildred Harris—the first in a procession of child brides. For his new studio he made shorts such as Shoulder Arms (1918) and The Pilgrim (1923) and his first starring feature, The Kid (1921), which starred the irresistible Jackie Coogan as the kid befriended and aided by the Little Tramp. Some have suggested that the increased dramatic content of those films is symptomatic of Chaplin’s efforts to justify the praise lavished upon him by the critical intelligentsia. A painstaking perfectionist, he began spending more and more time on the preparation and production of each film. In his personal life too, Chaplin was particular. Having divorced Mildred in 1921, Chaplin married in 1924 16-year-old Lillita MacMurray, who shortly would become known to the world as film star Lita Grey. (They would be noisily divorced in 1927.)


Famous people in profile: Charlie Chaplin

On the 125th anniversary of Charlie Chaplin’s birth, Peter Ackroyd has written a new biography exploring the life of the cinema legend. Here, in an interview with History Extra, Ackroyd reveals the man behind the moustache, and explains why he continues to fascinate…

Q: What was Chaplin’s early life like?

EEN: He was born in London, and spent most of his childhood in Kennington. He was consigned to the workhouse, the poor house, and even the orphanage, because his mother – who suffered bouts of madness – could not cope with him.

As he grew older he went around the streets of England, taking up ‘odd jobs’. He had very little education, and effectively because a vagrant.

Q: How did he rise to fame?

EEN: He was employed by a group of clog dancers, ‘the eight Lancashire lads’. He toured with them at the age of 10, and soon became proficient. That was the beginning of his interest in theatre.

He went on to become a child actor, which proved to be a great chance for him to display his skills as a mimic and an entertainer.

He was then taken on by the Fred Karno travelling company as a juvenile act, and he became their key performer. With Karno he went to America, and while on his second tour was spotted by studio manager Mack Sennett [of the Keystone Film Company].

Chaplin was asked to join Keystone, and from there he went on to invent ‘the Tramp’. It’s not quite clear how he managed to create the costume. Some say he modeled it on the English poor, but others say he copied acts he had seen in music halls in 19th-century London.

It was a character to which he stuck, and which proved to be very popular. But he later decided to become a more ‘serious’ actor, which only made him more popular.

Q: While researching your book, have you discovered anything surprising about Chaplin?

EEN: He had a very bad temper, and was domineering. He was not a very nice person to be around – he was a moody individual.

Q: What inspired you to write a biography of Chaplin?

EEN: I was inspired because he is from London, and I have always written about London. I found his story to be in many respects inspiring – his energy, enthusiasm, indomitable will and refusal to give up on anything.



Opmerkingen:

  1. Gwawl

    Zeer opmerkelijk onderwerp

  2. Pheobus

    Precies! Gaan!

  3. Vallois

    I can recommend that you visit a site that has a lot of information on this subject.

  4. Tiernan

    Een echt interessante selectie.

  5. Kedal

    Ik geloof dat je het mis hebt. Ik ben er zeker van. Ik stel voor om het te bespreken. E -mail me op PM.

  6. Flynt

    Knappe man! Schrijf op!



Schrijf een bericht